Kategorie: Leben und Gesellschaft

Ein trüber, feuchter Novembernachmittag in Berlin-Zehlendorf. Draußen wird es langsam dunkel, aber das Stadtteilzentrum Villa Mittelhof in der Königstraße ist hell erleuchtet. Hier brummt das Café, wuseln Kinder durch den großen Eingangsbereich. Dazwischen einige Menschen mit blauen IKEA-Tüten und Körben mit Hausrat – Kunden des heutigen RepairCafés. Silvia Regel ist ihr erster Kontakt vor Ort. Sie steht hinter einem Tisch in der Halle, hat eine Namensliste vor sich liegen und nimmt die Besucher in Empfang. Bittet einen älteren Mann, doch kurz Platz zu nehmen, und erklärt einer Frau engagiert den professionell vorbereiteten Laufzettel, der jedes Reparaturprojekt begleitet.

Unterdessen bereitet sich im Raum nebenan das Reparatur-Team von Projektleiter Ingo Ewert auf die Kunden vor, die sich für diesen Nachmittag angemeldet haben. Sieben Männer unterschiedlichen Alters zählt die Gruppe der ehrenamtlichen Helfer heute; der große Tisch zwischen ihnen ist übersät mit Werkzeug aller Art. Ingo Ewert, freundliche Augen hinter randlosen Brillengläsern, ist gelernter Elektriker und war beruflich als Kaufmann tätig. Nach seiner Pensionierung hat er im Mai 2020 das RepairCafé hier in Zehlendorf ins Leben gerufen. „Zu unserem ersten Termin kamen damals sechs Leute, zum zweiten vier. Inzwischen kümmern wir uns hier einmal im Monat um rund 20 Menschen und ihre defekten Haushaltsgeräte.“

Repariert wird gegen eine freiwillige Spende fast alles: Heute reicht die Palette vom nicht mehr schließenden Brotkasten über eine flackernde Lampe bis zur verharzten Astsäge und zu einem tanzenden Elch mit Weihnachtsmannmütze, dem der Batterieantrieb ausgegangen ist. „Wunderbar ist das hier“, schwärmt die zufriedene Besitzerin des nun wieder intakten Brotkastens. „Ich bin 83 Jahre alt, meine Männer sind alle gestorben, und hier wird mir nett, kompetent und freundlich geholfen“. Häufig sind es ältere Menschen, die liebgewordene Gegenstände noch einmal reparieren lassen möchten, anstatt einfach ein neues Gerät zu kaufen. So auch Claus-Jürgen Lehmann, der seinen schwächelnden Rasierer mitgebracht hat: „Der Akku reichte nur noch für vier Rasuren, da habe ich mir einen neuen im Internet bestellt, und den habe ich jetzt dabei, damit er eingesetzt werden kann.“ Eine komplizierte Angelegenheit, wie sich herausstellt. Mit dem Lötkolben in der Hand und Engelsgeduld macht sich der pensionierte Fernsehmonteur Joachim Bartilla daran, den alten Akku zu lösen.

Der 1000. Kunde kommt mit einem Raclette-Gerät

Bartilla war gemeinsam mit Ingo Ewert vom ersten Tag an dabei. Der viel jüngere Kilian Timmich dagegen engagiert sich erst seit sechs Monaten im RepairCafé:„Ich habe immer schon gerne Leuten geholfen; und weil ich mich für Elektronik und Mechatronik interessiere, freue ich mich, hier ein bisschen mein Hobby erweitern zu können.“ Während er noch erzählt, zupft ihn schon die umsichtige Silvia Regel am Ärmel: „Bist Du frei?“ Überall am Tisch wird jetzt geschraubt und gebastelt. Vor lauter Trubel verpassen wir fast den 1000. Kunden, der für heute angekündigt wurde: Uwe Arnhold-Cornwall hat ein Raclette-Gerät unter dem Arm, das beim Einschalten regelmäßig einen Kurzschluss verursacht. Nach ausdauerndem Suchen ist die Ursache gefunden: schuld ist das Lämpchen des Einschaltknopfes. „Können Sie ohne das Lämpchen leben?“, fragt Reparateur Andreas Wuttke den Besitzer. Kann er. Und freut sich über die gelungene Reparatur ebenso wie über das Geschenktütchen, das Ingo Ewert ihm zur Feier des Anlasses überreicht.

Nicht immer kann geholfen werden, „manchmal scheitert es zum Beispiel daran, dass sich Geräte schlichtweg nicht öffnen lassen“, aber in rund 64% aller Fälle ist die Reparatur erfolgreich – Ingo Ewert führt eine genaue Statistik. Der jüngste Besucher war sechs Jahre alt, die Älteste stolze 93. „Einmal kam eine 85-jährige Dame zu uns mit einem Toaster, den sie und ihr Mann als Hochzeitsgeschenk bekommen hatten. Dieser Toaster war 63 Jahre alt, und wir konnten ihn reparieren. Sie hat sich so gefreut, dass er weiter benutzt werden konnte, das war wirklich anrührend!“, sagt Silvia Regel und ist schon wieder im Gespräch. Ja, es geht hier um Nachhaltigkeit und um das Bewahren von Dingen, aber auch einfach darum, Menschen glücklich zu machen. In den Worten von Ingo Ewert: „Das Größte ist, wenn man in die strahlenden Augen guckt und jemand sagt, ‚Ich bin so froh, das geht wieder!‘“

Dieser Text ist zuerst am 22.11.2025 bei den Stadtrand-Nachrichten erschienen.

Das Haus am Waldsee in Zehlendorf, 1923 erbaut, ist eine bürgerliche Villa und ein Ausstellungsort mit Zugang zu besagtem See. Menschen in Wochenendlaune genießen den Blick auf das Wasser und den Geruch des Herbstlaubs; im Café liefert das Zischen der Espressomaschine den Hintergrund für gepflegte Gespräche zum Kuchen. In den Ausstellungsräumen dagegen geht es gerade um weniger kommode Aspekte des Lebens: Vergänglichkeit, Ausgeliefertsein, die Fragilität menschlicher Existenz. Erstmals widmet sich eine Einzelausstellung in Deutschland der phänomenalen afro-amerikanischen Malerin, Bildhauerin und Landschaftskünstlerin Beverly Buchanan (1940 – 2015). Die noch viel mehr war: Naturwissenschaftlerin, Sammlerin, Schriftstellerin.

Beverly Buchanan wuchs als adoptierte Tochter eines Lehrer- und Dozentenehepaares im Bundesstaat South Carolina in den USA auf, in einer ländlichen Umgebung, deren von Armut und Ausbeutung beherrschte Vergangenheit Menschen und Architektur geprägt hat. Trotz eines großen Interesses am Zeichnen studierte Buchanan erst Medizintechnik, Parasitologie und Public Health, lebte und arbeitete lange in New York. Erst mit dem Beginn der 1970er Jahre begann sie sich systematisch mit Kunst und Malerei zu befassen. Ihre frühen Werke, die sie neben der Berufstätigkeit schuf, spiegelten ihre eigene Auseinandersetzung mit der Großstadt: Bilder von imaginären schwarze Mauern, Skulpturen aus Beton, Ruinen gleich.

30 Jahre lang bestimmten die „Shacks“ das Schaffen von Buchanan

1983 gab sie ihren Beruf und das geregelte Leben in der Stadt auf und zog zurück in den Süden, wo sie sich schließlich in Athens (Georgia) niederließ. Sie wollte dort sehen, so sagte sie in einem in der Ausstellung nachzulesenden Interview, „was ich als Künstlerin erreichen konnte.“  Zu Beginn der 1980er Jahre begann sie, sich intensiv mit den von ihr unter der Bezeichnung „Shacks“ zusammengefassten Gebäuden zu beschäftigen: prekären Behausungen, wie sie in den Südstaaten vor allem in den Siedlungen der schwarzen, benachteiligten Bevölkerung gang und gäbe waren. In unzähligen Varianten zeichnete Buchanan diese Häuschen, die ihre Bewohner aus dem zusammenzimmert hatten, was gerade da war: Ein paar Latten, einige Äste, ein Stück Wellblech.

In ähnlicher Weise baute sie selbst ihre „Shacks“ in Miniaturform, aus Materialien, die sie eher zufällig fand. Eine ganze Siedlung ist im Haus am Waldsee zu sehen: hölzerne Häuschen, bunt, phantasievoll, kaum ein rechter Winkel irgendwo. Und die Kirche darf nicht fehlen (Buchanans Urgroßvater war methodistischer Pfarrer und hatte seine eigene Gemeinde). Dabei ist es eine poetische Welt, welche die Künstlerin erschafft: Für sie stehen die Häuser für allgemeingültige und doch individuelle Geschichten von Menschen. Zu einigen der „Shacks“ hat sie „Legenden“ geschrieben, in Ton und Gehalt traditionellen Märchen gleich. Irgendwo zwischen Realität und Fiktion steht auch der hölzerne „Shack South inside out“ – zu klein, als dass ein Mensch  darin stehen könnte, das Innere gewissermaßen nach außen gekehrt, verletzlich. Kein Schutz gegen die Widrigkeiten des Lebens, nicht einmal gegen Wind und Wetter. Aber vielleicht ein Zeichen des Willens, zu überleben.

Vergänglichkeit kontrastiert mit Hoffnung auf Zukunft

„Weathering“ (Verwitterung) ist der treffende Titel dieser Überblicksausstellung. Wie die „Shacks“ sind auch die großen Landschafts-Kunstwerke von Buchanan so konzipiert, dass sie Vergänglichkeit mitdenken. Die „Marsh Ruins“, drei 1981 von ihr an der Küste von Georgia gestaltete Zementhügel, sind eines ihrer bekanntesten Werke in diesem Stil. Den Punkt der Verwitterung greift Ima-Abasi Okon auf, die Mit-Künstlerin dieser Ausstellung. Quer durch den Garten des Hauses am Waldsee hat sie einen Pfad gemäht, der hinunter zum See führt. Nur wenige Wochen und einige Herbststurmtage nach Ausstellungsbeginn ist er kaum noch zu sehen. Im Haus selbst hat Okon dagegen Blumenaquarelle Beverly Buchanans zusammengestellt: farbenfrohe Zeichnungen, mit deren Verkauf die Künstlerin ihr prekäres Leben zuweilen finanzierte.  Auch die Wände der Ausstellungsräume, von Okon mit einer Mischung aus Pollen und Wasser gelb gestrichen, sagen: weitermachen, es gibt eine Zukunft!

Als ein Mensch endlos vieler Ideen erscheint Beverly Buchanan in den ausgestellten Skizzen, handschriftlichen Notizen, Fotos und kleinen Erzählungen. Immer im Dialog mit der sie umgebenden Landschaft, ihrer Architektur und den dort lebenden Menschen. Im wahrsten Sinne des Wortes geerdet, mit der Schubkarre in den Händen, Stiefel an den Füßen. „Ich hoffe, dass ich mir etwas von der Energie bewahren kann, die in einigen meiner Zeichnungen zum Ausdruck kommt!“ sagt Beverly Buchanan im Interview. „Wie würdest Du diese Energie definieren?“, wird sie gefragt.  „Tornado“. Man glaubt es, wenn man ihr Werk sieht.

Beverly Buchanan, Weathering mit Ima-Abasi Okon, Haus am Waldsee e.V., Argentinische Allee 30, 14163 Berlin, 2.10.2025 – 1.2.2026, Di bis So 11–18 Uhr.

Dieser Text ist zuerst am 30. Oktober 2025 in den Stadtrand-Nachrichten erschienen.

Tag des Offenen Denkmals im September 2025. Rund 150 Menschen drängeln sich vor dem Eingang des ehemaligen Frauengefängnisses in der Söhtstraße in Berlin-Lichterfelde. Eigentümer Dr. Joachim Köhrich erläutert persönlich und engagiert die Baugeschichte des Gebäudes. Zusammen mit seiner Partnerin Janina Atmadi hat der Unternehmer schon die Berliner Heckmann-Höfe erfolgreich als Kreativquartier entwickelt. Im Jahr 2017 erwarb er die Liegenschaft in Lichterfelde und hat das ehemalige Gefängnisgebäude samt Garten seitdem Stück für Stück in den Kulturstandort „The Knast“ umgewandelt, an dem  Kunst, Kulinarik und Geselligkeit eine ganzheitliche Verbindung eingehen sollen. 2024 erhielt er für die sorgfältige Instandsetzung des Gefängnisses den Bundespreis für Handwerk in der Denkmalpflege.

Wenige Wochen nach der öffentlichen Führung bin ich mit Janina Atmadi, die den „Knast“ als Geschäftsführerin leitet, zu einem Gespräch verabredet. Zu Fuß biege ich von der Ringstraße in die Söhtstraße ein und nehme noch einmal bewusst wahr, wie gut sich der 1902 – 1906 entstandene Gefängnisbau und das zeitgleich erbaute Amtsgericht mit ihren Volutengiebeln, Türmen und Zierelementen an die Umgebung anpassen. Das war von den Architekten Sarkur, Mönnich und Thoeme so gewollt; schließlich sollten potentielle Bewohner der zu Ende des 19. Jahrhunderts gegründeten Villenkolonie Lichterfelde durch die Gegenwart einer Haftanstalt nicht von ihren Bauvorhaben abgeschreckt werden.

Ein zugleich sehr offener und doch zurückgezogener Ort ist dies auch heute noch. Nach der Auflösung des Gefängnisses im Jahr 2010  wurde die Liegenschaft eine Zeit lang vor allem für Filmaufnahmen (am bekanntesten: „Monuments Men“ und die Serien „Berlin-Babylon“ und „Im Knast“) genutzt. Ab 2016 entwickelte der Kulturmanager Jochen Hahn dort die Vision einer „musisch-kreativen Denkfabrik“; daran knüpfen die neuen Eigentümer in Teilen an. „Joachim Köhrich liebt besondere Immobilien, und als wir dies hier sahen, war das Konzept eigentlich gleich da“, sagt Janina Atmadi.

Brandschutz und Denkmalschutz: zwei gleichermaßen große Herausforderungen

Zwei Zellentrakte gab es im Gefängnis, einen größeren für Männer und einen kleineren für Frauen. Im heute geradezu freundlich wirkenden Lichthof des früheren Männertrakts finden an langer Tafel regelmäßig sogenannte „Zellentraktdinner“ statt. Die Räume im zweiten und dritten Stock sind an den Verein „Pride Art e.V.“  vermietet und werden von Künstlern als Atelier- oder Ausstellungsräume genutzt. Wer als „Resident Artist“ im „Knast“ arbeiten will, bewirbt sich beim Verein um eine Zelle. An den drei- bis viermal jährlich stattfindenden Ausstellungen sind zunehmend auch Künstler von außerhalb beteiligt, und das Publikum reist aus ganz Berlin an, berichtet Atmadi. Bei der denkmalgerechten Gestaltung der Zellentüren wurde neben der Denkmalschutzbehörde ein passionierter Sammler – ja wirklich: von Zellentüren – zu Rate gezogen. Um aber sowohl Denkmalschutz (Bestandswahrung) als auch Brandschutz (Fluchtwege) gerecht zu werden, stehen viele der Türen heute ausgehängt in den Zellen. Joachim Köhrich fasste es am Tag des Offenen Denkmals launig zusammen: „Die Herausforderung war es, ein Gebäude, aus dem niemand fliehen durfte, in eines umzuwandeln, aus dem man jederzeit fliehen kann.“

Besonders am Herzen liegt Janina Atmadi die Bar im Kuppelsaal, der ehemaligen Kapelle des Gefängnisses. Auf Dielen aus einem Opernhaus stehen dort heute anstelle harter Holzbänke bequeme Sessel, die Atmosphäre ist wohnlich. „Hier können auch Familien aus der Nachbarschaft einfach mal auf einen Drink vorbeikommen!“ Vorausgesetzt, alle Familienmitglieder sind über 18, eine Regelung, die gleichermaßen für das Restaurant gilt, dessen regional und saisonal ausgerichteten Küche Liebhaber guten Essens auch von weiter her anlockt. Küchenchef Michael Zscharschuch, oder auch einmal als Gast Sternekoch Tim Tannenberger, arbeiten just dort, wo sich vormals die Gefängnisküche befand: „Brot und Wasser, nur in besser“, scherzt Janina Atmadi.

2026 soll nun endlich auch das Hotel eröffnen. Pier Andrea Mestre, der vor vier Monaten ernannte General Manager, hat zehn Jahre lang ein Boutique-Hotel in Venedig geleitet, das er in dieser Zeit zum Anlaufpunkt für Gäste der Fondazione La Biennale di Venezia und für internationale Kunstliebhaber machte. Bester Laune führt er mich durch die Räume, zeigt er eines der in warmen Farben und mit haptisch angenehmen Materialien eingerichteten Zimmer, von denen die meisten durch Zusammenlegung zweier Zellen entstanden sind. Die vier großzügigen Suiten im ausgebauten Dachgeschoss werden individuell ausgestaltet. Ein anspruchsvolles „Hideaway“ auch für internationale Gäste soll dieser Ort sein, fern vom Trubel im Zentrum der Hauptstadt.

Ein Standort, der neue Erfahrungen bieten soll

Was bedeutet der „Knast“ für Lichterfelde? Für Janina Atmadi ist das ganz klar: „Der Kiez findet bei uns einen Ort vor, den es so bisher nicht gibt. Bei uns haben wir eher sinnliche Events, bei denen die Leute etwas Neues erleben können. Unser Standort bereichert den Kiez qualitativ, aber auch um Erfahrungen, die viele Leute noch nicht gemacht haben. Wir möchten hier zu einem offenen, geselligen, anderen Lifestyle beitragen.“

Dieser Artikel ist zuerst am 24. Oktober 2025 in den Stadtrand-Nachrichten erschienen.

Seit 1994 befindet sich der größte Standort des Bundesarchivs auf dem Areal der früheren Preußischen Hauptkadettenanstalt in Lichterfelde. Ein wenig unzugänglich wirkt das weitläufige Gelände auch heute noch. Aber der Schein trügt: Wer das Benutzungszentrum aufsuchen oder einfach nur einen Rundgang durch die parkartige Anlage machen möchte, gelangt nach der Anmeldung beim Pförtner in der Finckensteinallee ganz unkompliziert hinein.

Die Hauptkadettenanstalt hatte hier von 1873 bis 1920 ihren Sitz. Nach der weitgehenden Auflösung militärischer Einrichtungen infolge des Versailler Vertrags wurde auf dem Gelände eine Staatliche Bildungsanstalt eingerichtet, bis im April 1933 die „SS-Stabwache Berlin“, alsbald umbenannt in „Leibstandarte Adolf Hitler“, das Grundstück übernahm. Sowjetische Truppen eroberten die Kaserne im April 1945 und übergaben sie an die US-Streitkräfte, welche die nunmehr „Andrews Barracks“ genannten Gebäude bis 1994 nutzten.

Fünf Minuten dauert der Spaziergang vom Tor, dann wird das von Ziegelstein und Glas geprägte neue Magazingebäude sichtbar, in dem auch der Empfang und die Dauerausstellung zur Geschichte des Archivs untergebracht sind. Über eine gläserne Fußgängerbrücke ist es mit dem 2021 eingeweihten Benutzungszentrum (einem Wirtschaftsgebäude aus nationalsozialistischer Zeit) verbunden; dort liegen Bibliothek und Lesesäle. Eine zweite Brücke führt zum einzigen erhaltenen Gebäude der Hauptkadettenanstalt, einem sanierten Ziegelbau, in dem sich heute Büros der Mitarbeiter befinden.

Der gewaltige Magazinbau mit seinen Fensterfronten auf der „Publikumsseite“ demonstriert Anspruch. Groß leuchtet der weiße, reliefartige Schriftzug „Bundesarchiv“ von der Wand der Eingangshalle; winzig erscheinen die Menschen, die sich dort aufhalten. Unwillkürlich frage ich mich, wie viele Schritte die hilfsbereiten Mitarbeiter am Empfang wohl täglich zurücklegen, wenn sie sich einfach nur im Rahmen ihres kreisförmigen Tresens bewegen.

Aber es sind auch gewaltige Bestände, die hier lagern: 107 Kilometer Akten werden mittlerweile in den größtenteils oberirdischen Magazinen aufbewahrt, geschützt gegen Wasser, Feuer und sonstiges Unheil. Wohlgemerkt: Die 107 Kilometer würden abgedeckt, wenn man alle Akten aufrecht nebeneinanderstellte wie in einem Bücherregal. Von Berlin aus würde diese Aktenschlange bis weit nach Polen hineinreichen. Dabei ist Lichterfelde nur einer von drei Berliner Standorten neben Lichtenberg und Tegel. Nach der Übernahme des Zentralen Staatsarchivs der DDR durch das Bundesarchiv infolge der Wiedervereinigung gab es ein logistisches wie politisches Interesse daran, unterschiedliche Bestände an wenigen Orten in der Hauptstadt zu konzentrieren, und damit an diesen einen immensen Platzbedarf.

In der Finckensteinallee können vor allem Akten zur Geschichte des Deutschen Reichs von 1867 bis 1945 eingesehen werden. Außerdem befinden sich hier Dokumente zur Geschichte der DDR (mit Ausnahme des Stasi-Unterlagen-Archivs), und die Sammlung der „Stiftung Archiv der Parteien und Massenorganisationen“ (SAPMO) der DDR.  Wer allerdings bei dem Wort „Archiv“ noch ausschließlich Papier denkt, muss seine Vorstellung erweitern: In Lichterfelde befindet sich auch die riesige Filmabteilung des Bundesarchivs, mit rund 150.000 Filmen und einer Million Filmrollen eine der größten weltweit. Daneben wird hier ein Teil des umfangreichen Bild- und Tonarchivs aufbewahrt, während sich der andere in der Hauptdiensstelle des Bundesarchivs in Koblenz befindet.

Die Lesesäle sind an diesem Montagmorgen spärlich besetzt; vor Ort arbeiten vor allem Wissenschaftler. Aber das Interesse von Privatpersonen speziell an Forschungen zur eigenen Familiengeschichte nimmt zu. Pro Jahr erreichen das Bundesarchiv an den Standorten Lichterfelde, Tegel und Freiburg nach Auskunft der Pressestelle mehr als 75.000 Anfragen zu Personen im Zusammenhang mit der NS-Zeit. Zum Vergleich: Bürgeranträge zur DDR-Zeit mit Stasi-Bezug gab es zuletzt jährlich 28.000.

Für die Beantwortung der Frage, „war Großvater Paul in der NSDAP?“ genügt vielleicht ein Schreiben an das Archiv. Wenn ich aber die Mitgliederkartei selbst im Lesesaal konsultieren oder sich dazu noch weitere Akten anschauen möchte, muss ich etwas langfristiger planen. Das Bundesarchivgesetz bestimmt: „Jeder Person steht…auf Antrag das Recht zu, Archivgut des Bundes zu nutzen.“ Und da wird es wird dann kurz einmal deutsch-behördlich:

Den Antrag gibt es auf der Website, zum Unterschreiben muss er ausgedruckt werden. Der eingesandte Antrag wird vom jeweiligen Fachbereich geprüft; das ist vor allem relevant, wenn bei dem Forschungsthema personenbezogene Informationen eine Rolle spielen. Sobald er genehmigt wurde (das Archiv spricht von zwei Wochen, mit denen zu rechnen sei), kann ich die benötigten Akten oder Medien über die Rechercheplattform in den Lesesaal bestellen, muss mir über die Website des Archivs dort einen Platz buchen und kann dann die Dokumente vor Ort einsehen und auch fotografieren. Oder auch einen Film anschauen, Microfiches konsultieren oder historische Tonaufnahmen anhören. Wenn ich selbst nicht genau weiß, was ich benötige, übernehmen Archivmitarbeiter gegen eine Gebühr die Suche.

Die Frage liegt nahe: Ginge das nicht längst auch digital? Tatsächlich ist die Digitalisierung der stetig wachsenden Bestände mittlerweile eine der Hauptaufgaben des Bundesarchivs. Pro Jahr werden rund 20 Millionen Seiten neu eingescannt. Priorität haben dabei Akten, die in einem kritischem Zustand sind, oder solche, die besonders häufig nachgefragt werden. Bis Ende 2028 sollen so alle Dokumente der NS-Zeit digital zugänglich sein, rechtzeitig vor dem unguten Jubiläumsjahr 2033. Auch die noch vorhandenen Akten des Reichskolonialamts liegen schon vollständig digitalisiert vor; eine spezielle KI-Anwendung hilft dabei, die teils noch in Sütterlin handschriftlich verfassten Akten nach Schlagworten zu durchsuchen.

Es gibt aber auch einen besonderen Service, der luxuriös klingt für jeden, der sich im Studium noch handschriftliche Auszüge aus Akten anfertigen musste: die „Digitalisierung on-demand“. Bis zu zehn Akten pro Forschungsvorhaben digitalisiert das Bundesarchiv auf Antrag kostenlos auf für jeden Nutzer, der sich die Unterlagen anschließend zum weiteren Gebrauch herunterladen kann. Der Archivgrundsatz, dass „der Nutzer zur Akte kommt, nicht die Akte zum Nutzer“ verliert damit allmählich an Bedeutung.

„(F)akten statt Fake News“ hat sich das Bundesarchiv auf die Plakate geschrieben. Wer sich selbst von den hier als nationales Gedächtnis lagernden Fakten ein Bild machen möchte, hat dazu die Gelegenheit im Rahmen der öffentlichen Führungen. Oder er füllt einen Benutzungsantrag aus…

Dieser Artikel ist ursprünglich am 15. Oktober 2025 in den Stadtrand-Nachrichten erschienen.

Vor kurzem führte ich für die Berliner Stadtrand-Nachrichten ein Interview mit Lino Friese. Der 24-jährige präsentiert im Frühjahr 2026 in Kleinmachnow bei Berlin bereits zum vierten Mal seinen Circus Varieté, wo sich internationale Stars der Zirkus- und Varieté-Szene die Klinke in die Hand geben. Bereits jetzt sind alle Vorstellungen ausverkauft.

Mit seiner Vision, Menschen für eine kurze Zeit in eine andere Welt voller Magie zu entführen, erinnerte mich Lino Friese unvermittelt an Manuela Soeiro. Mit ihr, der legendären Leiterin des „Teatro Avenida“ in Maputo (Mosambik), führte ich vor rund zehn Jahren ebenfalls ein Gespräch. Darin erzählte sie mir, sie habe als Kind davon geträumt, „einen Zirkus zu haben, der allen Kindern offensteht“. Das Theater, das sie stattdessen übernahm und seit Jahrzehnten prägt, wurde unter anderem Schauplatz von Henning Mankells Roman „Der Chronist der Winde“. Was vielleicht zeigt, dass Magie und Zielstrebigkeit keine Grenzen kennen, ob in Mosambik oder Deutschland. 

Hier aber nun meine Fragen an Lino Friese: 

Die wievielte Show ist es, die Du jetzt gerade planst?

Das ist meine vierte Show. Gestartet ist das Ganze 2020, als Teil meiner Schul-Abschlussarbeit, mit einem Tag Vorstellung, direkt vor dem ersten Corona-Lockdown. Die zwei nächsten Shows waren dann schon größer, und dieses Mal werden es drei Tage, wir rechnen also mit rund 2500 Zuschauern.

Du kommst aus einer Familie, die mit Zirkus eigentlich nichts zu tun hat – was hat Dich daran so fasziniert, dass Du dachtest: „Das will ich machen!“?

Die Leidenschaft für den Zirkus ist, seit ich denken kann, da. Ich weiß selbst eigentlich nicht richtig, wie es angefangen hat, aber so mit fünf oder sechs Jahren. Da war ich bei einer Aufführung der Waldorf-Schule in Zehlendorf, die einen Schulzirkus hat, und seitdem hat mich das Thema nicht mehr losgelassen.

Hast Du damals davon geträumt, selbst als Artist in der Manege zu stehen, so wie viele andere Kinder?

Nein, überhaupt nicht. Es war gar nicht das „Selber-im-Rampenlicht-Stehen“; auch jetzt ist das Moderieren für mich eigentlich das Schlimmste bei der ganzen Vorbereitung. Was mich fasziniert ist eher diese Magie beim Zirkus, diese ganze Logistik dahinter: Man erschafft eine Parallelwelt – und dann wird abgebaut, von einem Tag auf den anderen ist alles verschwunden, und dann entsteht es wieder an einem anderen Ort. Was bei meiner Show natürlich nicht ganz so ist, weil das ja nichts ist, was herumreist.

Die Dinge, die man für die Planung einer Zirkus-Show wissen muss, vom Umgehen mit Artisten und Künstlern über Netzwerken, Logistik und Buchhaltung, lernt man aber eher nicht in der Schule…?

Ich bin in der 11. Klasse drei Monate lang mit dem Circus Voyage unterwegs gewesen, und das war die beste Schule, da ziehe ich jetzt noch viel raus. Beim Zirkus muss ja jeder alles können und machen, Tiere pflegen, an der Kasse stehen, die Show begleiten, Auf- und Abbau, Plakate kleben. Ich habe auch viel gelernt darüber, was Artisten und Künstler brauchen, was denen wichtig ist, das ist ja auch für Vertragsverhandlungen gut zu wissen.

Sagt man eigentlich „Artisten“ oder „Künstler“?

Ich sage inzwischen immer mehr „Künstler“, denn Artisten, die machen etwas mit ihrem Körper, aber ich habe zum Beispiel einen Showpiloten in meiner neuen Produktion, der mit Modellflugzeugen arbeitet – das ist für mich eher ein Künstler.

Was war denn die größte Herausforderung, auf die Du zu Anfang gestoßen bist?

Ich hatte ja so das Bild von einer Zirkusshow in einem richtigen Zelt, so wie man’s kennt. Und da bin ich dann ziemlich schnell an Grenzen gestoßen, auch finanziell. Als Achtzehnjähriger hatte ich ja irgendwie auch null Budget, nur das, was dann über die Eintrittskarten reinkam. Also, von dieser Idee, „ich mach‘ das im Zelt“, wo ich dann Toiletten, Strom, Wasseranschluss brauchte, kam ich schnell weg. Inzwischen ist meine größte Herausforderung, das Niveau zu halten und den Zuschauern immer wieder etwas Neues zu bieten.

Wie bezeichnest Du Dich selbst – eher als Zirkusdirektor oder als Manager?

Also, diese Shows sind wirklich mein Herzensprojekt, deshalb ist mir „Manager“ dafür eigentlich zu wenig. Und „Zirkusdirektor“ benutze ich kaum, das ist für mich jemand, der auch auf der Bühne sehr präsent ist. Irgendwie bin ich Strippenzieher, Organisator und Veranstalter, aber eben für die eine Sache, die mir am Herzen liegt.

Wie schafft man es, von den Großen dieses Geschäfts ernst genommen zu werden, wenn man dieses Leben nicht schon von Kindheit an kennt? Das Roller Skating Duo Skating Donnert’s zum Beispiel blickt auf eine 125-jährige Familientradition zurück…

Es fängt eigentlich ganz simpel an mit Wertschätzung für die Arbeit der Künstler. Was mir hilft, ist die Leidenschaft für mein Projekt, die ich offenbar auch vermitteln kann, um denen zu erklären, weshalb sie zu mir nach Kleinmachnow kommen sollen.

Warum sollen sie kommen?

Weil das bei uns eine ganz besondere Atmosphäre ist in dieser relativ kleinen Location. Es entsteht so eine Art Symbiose zwischen Publikum und Künstlern, auch, weil sich das Publikum oft untereinander kennt. Da entsteht eine Stimmung, die dann überschwappt auf die Künstler, und für die ist das etwas total Besonderes, so nahe dran zu sein.

Wie hast Du Dein Netzwerk aufgebaut?

Die Zirkus- und Varieté-Welt ist ja relativ klein und überschaubar, man kennt sich, das geht relativ schnell, da reinzukommen. Und es lebt davon, dass ich superviel unterwegs war, um mir Shows anzugucken, und da einfach die Kontakte gesucht habe. Schlüsselpunkt ist natürlich das Zirkusfestival in Monte Carlo, das steht immer auf Platz 1 bei meiner Reiseplanung.

Du beendest gerade Deine Ausbildung zum Veranstaltungskaufmann beim Friedrichsstadt-Palast?

Ja, nach dem Abi 2021 habe ich erst einmal die Show für 2022 vorbereitet. Danach war ich so ein bisschen auf der Suche, habe erst in Hamburg und dann in Berlin gearbeitet, hier auch schon beim Friedrichsstadt-Palast. Aber ich wollte doch noch einmal eine richtige Ausbildung machen, damit ich etwas in der Hand habe, damit werde ich jetzt im Januar fertig, und dann will ich mich intensiv vorbereiten auf die Show Ende Februar.

Noch einmal zu Deiner neuen Show: Worauf dürfen sich die Zuschauer dieses Mal besonders freuen? 

Das Besondere ist, dass die Show noch einmal internationaler, und ja, das hört sich jetzt etwas doof an, von der Qualität noch mal hochkarätiger ist. Dieses Mal habe ich zum Beispiel den größten Comedy Act, den es eigentlich gibt, César Dias, der ständig unterwegs ist…an dem war ich vier Jahre lang dran, und es freut mich total, das der jetzt kommt. Aber eben auch viele andere internationale Künstler, die alle noch nicht hier waren.

Die für 2026 angekündigten sechs Vorstellungen in Kleinmachnow sind allerdings schon ausverkauft …

Für mich ist es einfach das Schönste, Menschen Freude zu schenken, deshalb bieten wir jetzt eine Zusatzshow am Samstag 28. Februar 2026 um 11.00 Uhr an, und da startet der Verkauf am 1. Oktober.

Du hast einmal gesagt, Du träumst davon, später ein eigenes festes Zirkuszelt zu haben – stimmt das noch?

„Ach, irgendwann wäre das doch echt schön“, diesen Hintergedanken gibt es bei mir – aber mittlerweile hat sich das in Kleinmachnow so toll entwickelt, eigentlich ist es für den Moment perfekt!

Geschichten von Lebensträumen, vom Wunsch nach Zugehörigkeit und vom Willen zur Gestaltung erzählt die Liebermann-Villa in ihrer neuen Ausstellung VISION UND ILLUSION. Architekturfotografien von Hélène Binet. Gezeigt werden sehr besondere Fotografien von Landhäusern jüdischer Familien, die im 19. und 20. Jahrhundert in Europa zu Ansehen und Einfluss gekommen waren. Das gewaltige Hughenden Manor, Anwesen des britischen Premierministers Benjamin Disraeli, die als Architekturikone bekannte Villa Tugendhat in Brünn, aber auch die Villa Liebermann selbst und Schloss Freienwalde, das Walter Rathenau 1915 erwarb, sind darunter.

Hélène Binet ist eine der weltweit renommiertesten Fotografinnen zeitgenössischer wie historischer Architektur. Die 1959 geborene Künstlerin, die nach Studium in Italien und der Schweiz seit langem in London lebt, arbeitete eng unter anderem mit Architekten wie Daniel Libeskind, Peter Zumthor, David Chipperfield und Zaha Hadid zusammen. Ihre Bilder waren in Deutschland zuletzt 2020 im Rahmen einer Ausstellung in Köln zu sehen. Bekannt sind die Fotografien Binets, die ausschließlich analog arbeitet und ihre Bilder (vor allem Schwarz-Weiß-Silbergelatineabzüge) oft selbst entwickelt, für ihre kunstvolle, nuancierte Darstellung von Licht und Schatten.

Ein repräsentatives eigenes Haus auf dem Land, ob Schloss oder „nur“ bürgerliche Villa, bedeutete für die jüdischen Bauherren nicht nur die Möglichkeit, ihren eigenen gestalterischen Vorlieben Raum zu geben. Es war zugleich ein öffentliches Zeichen, dass man angekommen war in einer Gesellschaft, an dem Ort, der einem zustand – und dass man bereit war, diese Position auszufüllen. Seit 2015 widmet sich deshalb ein Forschungsprojekt der Universität Oxford den „Jewish Country Houses“, Landsitzen im Eigentum jüdischer Familien in mehreren Ländern Europas. Das Thema ist von gewisser Brisanz in Großbritannien, wo die oft jahrhundertealten Landhäuser der adeligen Oberschicht als nationales Kulturgut erlebt werden. Über die Kuratorin und Kunsthistorikerin Ruth Ur (seit Juni dieses Jahres Direktorin der Stiftung Exilmuseum Berlin) kam es  zum Kontakt der Universität Oxford mit Hélène Binet, und zur Planung eines gemeinsamen Buches. Aus diesem Bildband, der auch als Katalog fungiert, ist die kleine, aber feine Ausstellung in der Liebermann-Villa hervorgegangen.

Hélène Binet dokumentiert in ihren Aufnahmen nicht etwa, wie ein Gebäude aussieht, sondern sie kommentiert, erzählt Geschichten, rückt Details in den Fokus, die das Selbstverständnis der Erbauer illustrieren und deren Vision in einem begrenzten Bildausschnitt zusammenfassen. Zum Beispiel zeigt sie die in überbordender Neogotik geschmückten Zierleisten in Strawberry Hill, dem Haus des Politikers und Schriftstellers Horace Walpole. Oder sie blickt auf ein Detail der Wandbemalung in der Villa Kérylos, erbaut von dem französischen Archäologen und Abgeordneten Théodore Reinach als Idealversion eines antiken griechischen Privathauses. Binet zeigt uns ihre persönliche Begegnung mit jedem Haus, mit den Menschen, die es bauten, und die darin lebten. „In der Architektur verbinden sich für mich Vergangenheit und Zukunft“, sagt die Künstlerin.

Wer die Villa Liebermann besucht, möchte, nein: muss durch den Garten streifen: Von Max Liebermann als Reformgarten angelegt, ist er Teil der Vision, die der Maler von seinem „Schloss am See“ hatte. Auch vom Haus aus, von den Ausstellungsräumen her, ermöglichen übrigens die (zurzeit nicht verdunkelten) Fenster gerahmte Blicke auf Wiese, Blumen, Birken und Wannsee – Fotografien gleich, die sich nahtlos zwischen den ausgestellten Bildern einfügen. Auf dem Weg zum See übersieht man schnell die kleine Loggia, deren Innenwände Max Liebermann 1911 nach dem Vorbild der römischen „Villa Livia“ mit dem Fresko eines Paradiesgartens schmückte. Hier fand Hélène Binet Motive, die für sie die „Essenz“ der Liebermann-Villa ausmachen: Ein Blick in das Loggia-Innere; der Schatten eines Lorbeerbaums auf dem fein ziselierten Putz der Hauswand. Liebermann selbst ließ die Bemalung 1920 aus ungeklärten Gründen überstreichen – sie wurde erst im Rahmen der umfassenden Sanierungsarbeiten vor rund 20 Jahren wiederentdeckt

„Jewish Country Houses“, das Buch zur Ausstellung, stellt insgesamt dreizehn Landsitze aus Großbritannien, Frankreich, Italien, Deutschland und Tschechien in umfangreichen, reich bebilderten Essays vor. Die zahlreichen Fotos von Binet, sehr viele mehr als in der Ausstellung, erzählen daneben ihre ganz eigene, persönliche Geschichte und schaffen dadurch Verbindungen zwischen den Häusern. Dies ist keines der üblichen „Coffee Table Books“, sondern ein Schmöker, in den man sich versenken kann. Zum Glück sind Teile der darin enthaltenen Informationen auch als Erläuterungen direkt neben den ausgestellten Fotografien zu finden.

Als Wanderausstellung konzipiert, waren die Aufnahmen von Hélène Binet bereits in Strawberry Hill und auf dem Rothschild-Anwesen Waddesdon Manor in England zu sehen, denen ebenfalls Kapitel des Buches gewidmet sind. Vom Wannsee aus geht es 2026 nach Brünn in die bereits erwähnte Villa Tugendhat.

Anmerkung: Dieser Text ist zuerst am 19. September 2025 in den Stadtrand-Nachrichten erschienen.

Ganz fern, und doch so nah: Den Häusern jüdischer Familien, die nach Ecuador emigriert waren, widmen sich andere Beiträge auf diesem Blog: Alles verändert sich – Vera Kohn und Das Leben umarmen – das Haus der Trude Sojka.

Zum dritten Mal fand am 17. September im Roten Rathaus die Jahreskonferenz der Strategie „Gemeinsam Digital: Berlin“ statt. Jährlich treffen sich hier Mitarbeitende der Berliner Verwaltung, Transformationsexperten und Digitalisierungsspezialisten, die mit Konzepten und konkreten Projekten die Hauptstadt schnellstmöglich zu einer „Smart City“ machen wollen.

Dieses Mal ging es bei der Veranstaltung im Roten Rathaus nicht nur um das Netzwerken innerhalb der Community, sondern auch um öffentlichkeitswirksame politische Unterstützung: Der Regierende Bürgermeister persönlich sprach im Festsaal zu den rund 250 Teilnehmern. Kai Wegner freute sich über die konstruktive „Workshopatmosphäre“ und begrüßte, dass bei der Umsetzung der 2022 verabschiedeten Strategie immer wieder ausdrücklich die Beteiligung von Bürgerinnen und Bürgern gesucht werde. Es sei wichtig, die Menschen in diesem Prozess mitzunehmen, aber auch deutlicher zu kommunizieren, was schon möglich sei: „Nur 10% unserer Bevölkerung nutzen bisher das Angebot der Bürgerämter, sich online an- oder umzumelden, weil sie von der Möglichkeit nichts wissen – das kann noch besser werden!“

Martina Klement, Staatssekretärin für Digitalisierung und Verwaltungsmodernisierung, und als Chief Digital Officer des Landes Berlin für das Thema Smart City zuständig, hatte zuvor zwei besonders positive Entwicklungen der jüngsten Zeit hervorgehoben: Zum einen habe die vor der Sommerpause beschlossene Verwaltungsreform klarere Verantwortlichkeiten geschaffen, was auch die Abläufe bei der Digitalisierung einfacher mache. Zum anderen habe sich die Lage auf den Bürgerämtern deutlich entspannt: Inzwischen könnten 81% Prozent aller Terminsuchenden binnen zwei Wochen ihr Anliegen erledigen. Wichtig sei es aber nun, die angestoßenen Prozesse zu verstetigen und „von innovativen Ideen zu Strukturen“ zu kommen, die in der ganzen Stadt und über Bezirksgrenzen hinweg funktionierten. „Wir werden auch einmal Dinge vorschreiben müssen“, so Klement.

Um „Verstetigung“, das Motto des diesjährigen Treffens, ging es auch den anwesenden Mitarbeitenden der Bezirksverwaltungen. Auf dem Podium waren sie prominent vertreten durch den eloquenten Bezirksbürgermeister von Treptow-Köpenick, Oliver Igel. In den Bezirken gelte „Verstetigung“ als Reizwort, so Igel, „denn wir leben damit, dass wir nur ab und zu Brosamen zugeworfen bekommen. Zwei Jahre gibt es Geld, und danach ist es wieder weg!“ Es brauche aber dauerhafte Unterstützung, damit erfolgreiche Pilotprojekte auch weitergeführt werden könnten. „Auch auf Bezirksebene wollen wir den Fortschritt, unsere Mitarbeitenden wollen raus aus ihren papiernen Büros!“ Es nütze nichts, den Antrag auf Wohngeld zu digitalisieren, wenn die darauffolgenden verwaltungsinternen Schritte zur Bewilligung wieder in der Produktion von Aktenbergen resultierten. Da wünsche er sich zuweilen, so der Bürgermeister verschmitzt, einen Vorschlaghammer in den Händen der – ob der Wortwahl sichtlich amüsierten – Chief Digital Officer.

Von allen Vortragenden dringend gefordert: Nicht immer das Rad neu erfinden, sondern erfolgreiche Projekte skalieren: „Wir müssen einfach mal nutzen, was es schon gibt!“ (Adrian Gelep, DigitalAgentur Brandenburg). „Es ist sinnvoll, modellhaft Lösungen zu präsentieren und dann in die Fläche zu tragen!“ (Michael Huch, Koordinierungs- und Transferstelle Modellprojekte Smart Cities). „Wir müssen wegkommen von der Kleinteiligkeit, hin zu einer größeren Vision und damit Transformation“ (Stefan Heumann, Agora Digitale Transformation).

Eingeladen hatte zu dem Treffen das  CityLAB Berlin, das sich selbst als „Berlins öffentliches Innovationslabor“ bezeichnet und die Strategie Gemeinsam Digital: Berlin konzeptionell und in der Umsetzung begleitet. Ziel ist die Entwicklung digitaler Projekte mit Modellcharakter, die sich in der ganzen Stadt erfolgreich einsetzen lassen sollen. Einige davon haben bereits ihren Weg zum Beispiel in den Berliner Südwesten gefunden:

Seit Beginn dieses Jahres gibt es in der Ingeborg-Drewitz-Bibliothek in der Grunewaldstraße 3 eine Digital-Lotsin: An drei Tagen in der Woche hilft Tatjana Antipanova unkompliziert, ohne Termin und kostenlos, Menschen, die Hilfe mit ihrem Smartphone, mit dem Internet und mit digitalen Formularen benötigen. Dieses Angebot gibt es unter dem Projektnamen Digital-Zebra bereits in 28 Berliner Bibliotheken, wo es nach Auskunft der Projektleitung sehr gut angenommen wird.

Speziell an Senioren im Bezirk richtet sich das „Seniorennetz Berlin“, eine digitale Karte zu meist kostenlosen Freizeitangeboten in der Nachbarschaft. Die Webseite ist klar und übersichtlich aufgebaut, in mehreren Sprachen abrufbar, und soll insbesondere älteren Menschen einen schnellen Zugang zu vielen interessanten Veranstaltungen und Fortbildungsmöglichkeiten schaffen, gerade auch im digitalen Bereich. 

Vielleicht bald auch bei Ihnen vor Ort: Das Kiezlabor. Die Mitarbeitenden dieses mobilen Büros sind jeweils für einige Wochen in einem Bezirk prominent vor Ort und wollen mit ihren Projekten Zusammenarbeit zwischen Stadtgesellschaft und Verwaltung konkret machen. Ende dieses Jahres werden neue Projektvorschläge entgegengenommen – beteiligen können sich Verwaltungsmitarbeitende ebenso wie in der Zivilgesellschaft engagierte Menschen.

Aber noch einmal zurück ins Rote Rathaus:„Die Anwesenheit unserer politischen Spitze ist ein wichtiges Signal, das unser Handeln Resonanz zeigt. Wir wollen eine funktionierende Stadt!“, fasste Karen Laßmann, Leiterin des Berliner Modellprojekts Smart City, das Ziel des Treffens zusammen. An Einigkeit hinsichtlich der Ziele mangelte es nicht bei den Akteuren; bei strukturierter Umsetzung und Kommunikation ist, auch das Konsens unter den Teilnehmenden, noch viel „Luft nach oben“.

Anmerkung: Dieser Text ist zuerst am 19. September 2025 bei den Stadtrand-Nachrichten erschienen und wurde für diesen Blog leicht überarbeitet.

Jeder Mensch eine Persönlichkeit, die uns in ihren Bann zieht. Das ist der bleibende Eindruck, den ein Rundgang durch die Ausstellung der deutsch-jüdisch-südafrikanischen Expressionistin Irma Stern im Brücke-Museum hinterlässt.

Es ist nach 1996 in Bielefeld die zweite Einzelausstellung auf deutschem Boden, die dieser bedeutenden Künstlerin gilt, und die erste in ihrer langjährigen Heimatstadt Berlin. Dass Irma Stern in Deutschland kaum bekannt ist, hängt mit der Vielschichtigkeit ihrer Identität und der Schwierigkeit zusammen, ihr Leben zwischen zwei Welten aus heutiger Sicht angemessen einzuordnen.

Irma Stern wird 1894 als Kind deutsch-jüdischer Auswanderer in Schweizer-Reneke, einer Stadt  in der südafrikanischen Provinz  Nordwest, geboren. Schul- und Ausbildungsjahre verbringt sie mit kurzer Unterbrechung in Deutschland, wo sie ab 1912 in Weimar und anschließend in Berlin studiert. Um 1917 lernt sie den „Brücke“-Maler Max Pechstein kennen, der ihr ein enger künstlerischer Freund wird und 1919 ihrer ersten großen Berliner Einzelausstellung den Weg bereitet. 1920 zieht Irma Stern mit ihren Eltern zurück nach Kapstadt. In den folgenden Jahren pendelt sie zwischen Afrika und Europa, wird als Mitbegründerin in die avantgardistische Künstlervereinigung „Novembergruppe“ eingeladen, hat mit ihren Ausstellungen zunehmend Erfolg. Nach der Machtergreifung der Nationalsozialisten 1933 kehrt sie Deutschland den Rücken, weigert sich, weiter Deutsch zu sprechen, und meidet bis zu ihrem Tod das Land, das sie künstlerisch geprägt hat.

In den rund fünfzehn Jahren ihrer aktiven Präsenz in Deutschland hat sich Stern bewusst als Kennerin und Vermittlerin Afrikas etabliert, die den Kontinent und seine Menschen nicht nur von Reisen, sondern aus eigenem Erleben kennt. Dass sie als Angehörige der dortigen herrschenden Schicht mit dem „kolonialen Blick“ auf Südafrika und seine Bewohner aufgewachsen ist, wird ihr selbst erst allmählich deutlich. Sichtbar ist aber seit ihren frühen Werken, dass die von ihr Porträtierten unabhängig von ihrer Herkunft immer als Menschen mit einem klaren Bewusstsein ihrer selbst und ihrer Würde dargestellt werden. Das gilt für das einfache Hausmädchen (Woman sewing Kaross, 1929), das, entsprechend den Gepflogenheiten der damaligen Gesellschaft, dem Betrachtenden allerdings nicht in die Augen blickt, sondern sich in seine traditionelle Handarbeit vertieft. Es gilt umso mehr für das 1955, zu Zeiten der Apartheid, entstandene Pendant dieses Bildes, die Maid in Uniform: Makellos und perfekt in ihrer weißen Schürze blickt sie spöttisch an uns vorbei.

In Südafrika, wo Stern als in Deutschland ausgebildete, „moderne“ Künstlerin mit einem ganz anderen Image Fuß zu fassen sucht, stößt ihre erste Ausstellung 1922 auf harsche Kritik der bornierten Elite. Der Kreis von jüdischer Diaspora und linksliberalen Intellektuellen, in dem sich Irma Stern in Kapstadt bewegt – einige dort entstandene Porträts sind im Brücke-Museum zu sehen – ist klein, eine „Blase in der Blase“. Die Künstlerin bricht auf ihre eigene Art aus dieser Enge aus, indem sie mit 39 Jahren ihren Führerschein macht und lange Reisen quer durch den afrikanischen Kontinent unternimmt, Landschaften und Menschen malt: „wie eine Forscherin“ sieht sie sich. In diesen Jahren entsteht eine Skizze von Rosalie Gicanda, der Ehefrau des ruandischen Königs Mutara III. Rudahigwa. Den Entwurf arbeitet Stern später als Portrait aus, dem sie den Titel Watussi Queen gibt. Beide Arbeiten sind in der Ausstellung zu sehen; Rosalie Gicanda fiel 1994 dem Völkermord der Hutu an den Tutsi zum Opfer.

Nach dem Erlass der Apartheid-Gesetze 1948 gewinnt der wirtschaftlich erstarkende südafrikanische Staat zunehmend Interesse daran, die Künstlerin als Aushängeschild seiner eigenen Modernität für sich zu reklamieren. Das Gefühl, stets in irgendeiner Facette ihrer Person und Biografie angreifbar zu sein, mag erklären, dass sich die Malerin mit dieser Rolle arrangiert; sie repräsentiert Südafrika im Ausland, unter anderem mehrfach auf der Biennale in Venedig. Gleichzeitig stellt sie 1956 eines ihrer Werke einem Fonds zur Verfügung, aus dem die Verteidigung Nelson Mandelas und anderer in einem Hochverratsprozess finanziert wird. 1966 stirbt Irma Stern, bis heute eine der bekanntesten Künstlerinnen Südafrikas, in Kapstadt. Ihr von einer Stiftung verwaltetes ehemaliges Wohnhaus ist heute ein Museum.

Bereichernd sind die unterschiedlichen Stimmen, die in der Berliner Ausstellung das Werk Sterns in ihren Texten interpretieren. Der 1984 geborene südafrikanische Künstler Athi-Patra Ruga, der Stern als Vermittlerin zwischen den Welten verehrt, weitet unseren Blick mit seinen eigenen ausgestellten Werken, kommentiert und ironisiert.

Ein Rundgang, der vom Beginn bis zum Ende eine Entdeckung ist.